LÍNEA Y SOPORTE
UNA
MIRADA AL DIBUJO EN VENEZUELA
En este
espacio , 18 artistas populares exhiben 28 dibujos ; no obstante , antes de
entrar en el tema relacionado con las obras aquí presentadas , conviene ,
aunque sucintamente , dar una mirada sobre lo que ha sido el dibujo
en Venezuela , no con el ánimo de agotar el tema ; ni con la pretensión de
abrir nuevos caminos en la investigación en esta materia , sino más bien con la
sana intención de poner en contexto , lo que
aquí nos ocupa.
Si damos una mirada a los salones de arte en
Venezuela de distinta naturaleza, nos percataremos que la presencia del dibujo
está en menor cuantía, aunque no así en calidad .La pintura sigue siendo el
renglón de mayor participación, seguido de la escultura (en general). Pareciera
que hay más pintores en las artes plásticas que dibujantes .Quizá sí. Sin
embargo, mucho de nuestros pintores son también excelentes dibujantes; sólo que
el dibujo lo emplean por tradición como una fase preliminar de su creación
pictórica. Tal vez la mayor proliferación de la pintura con respecto al dibujo
radica en la durabilidad en el tiempo de aquélla, mientras que éste, generalmente hecho en papel se ve afectado
por la acción del tiempo debido a su fragilidad y a factores de carácter
climáticos .Clásicamente el papel es el que mayormente se ha utilizado , quizá por el bajo costo de éste con respecto a la tela y las tablas y que para ser empleado como ejercitación como paso previo a la pintura ,era el ideal para estos rigores por ser más accesible y más
económicos que otros soportes .En menor
cuantía ha llegado hasta nosotros el trabajo en papel que en lienzo o madera ;
la prueba de lo que afirmo , lo podemos constatar al mirar nuestra Historia del
Arte , casi toda la obra del Período Colonial y del Republicano se ha perdido
por los factores antes comentados y algunos otros que no voy a entrar en
detalles aquí.
Históricamente, apunta Calzadilla, (1982) del
período de la Colonia, no nos ha llegado obras suficientes que nos puedan
arrojar luces del papel que ocupó el dibujo dentro de la creación del pintor y
el imaginero colonial .De este momento de nuestra Historia Patria, del artista
de quien nos ha llegado hasta nosotros algunos dibujos es de Juan Lovera .Nuestro
último pintor colonial y primer pintor republicano. En el plafón el 5 de Julio
de 1811 trazó el escorzo, señala Calzadilla (ob. cit.) el dibujo a plumilla en
la parte inferior de la obra de los personajes que concurrieron a tan magno
evento histórico. Claro está, el autor comentado, califica estos dibujos como
torpes, pero expresivos. No obstante ,
Tovar será , así pues , — en palabras de Calzadilla,— en un sentido naturalista
,nuestro primer dibujante –pintor ; y Michelena el mayor dibujante de la tradición
de nuestro arte , que puede referirse
exclusivamente a la manera de nuestra pintura; criterio que comparto con este
prestigioso crítico de nuestras artes
visuales ,
Cabe destacar , a criterio de Calzadilla
,(1977) — a manera de reseña—para ilustrar mejor lo que me ocupa en relación al dibujo ,
es en la época de nuestra pintura venezolana conocida como el Período de la
Ilustración , que no obstante , nada tiene que ver con la ilustración francesa
, sino más bien a un momento de nuestro arte , en la tercera década del siglo
XIX; que se le llama así , porque en los tiempos en que el barón de Humboldt
visitó Venezuela nuestros artistas se inspiraron en él y en otos viajeros y
exploradores llegados al país , que se sintieron motivados por el estudio descriptivo
de la naturaleza , y para dejar con un sentido realista , yo diría que hasta fotográfico , el testimonio fidedigno de ella , recrearon
una especie de álbum fotograbado de Caracas y sus alrededores .De este período , los pintores más representativos
fueron : Celestino Martínez , (1620-1888) , Gerónimo Martínez (1826-1895) y
quizá el más importante de nuestros ilustradores del siglo XIX Ramón Bolet
Peraza (1840-1876) , el mayor cronista
que , en lo relacionado con el dibujo , que tuvo la ciudad de Caracas , quien
nos dejó una serie de dibujos y acuarelas litografiadas por Enrique Neun , que
constituyeron las publicaciones conocidas como Álbum de Caracas y Venezuela
(1876). El dibujo en la Ilustración era un medio de expresión desligado de la
pintura y estaba destinado para el desarrollo de la imprenta y el periodismo.
Sobre el dibujo comenta Calzadilla, (ob. cit.)
nunca fue considerado entre nosotros un género artístico independiente, sino
más bien una disciplina auxiliar, de cuya práctica podía prescindir el artista
en formación. Para ilustrar más este punto cabría apuntar que los paisajistas
de Caracas (Círculo de Bellas Artes), más atentos al color que a la realidad,
pin-
taban reproduciendo
directamente la naturaleza sin necesidad
de hacer bocetos previos. Rara vez
cultivaron el dibujo, y cuando lo hicieron lo privaron del valor autónomo, para
servirse de él como un estudio, una ejercitación o, en el mejor de los casos,
como un proceso que conducía a la pintura. La excepción de este grupo fue
Armando Reverón, quien empleó en su trabajo una metodología esencialmente dibujística,
aunque no se preocupó mucho de diferenciar en su obra lo que era del dominio
del dibujo o de la pintura. Así pues el Círculo de Bellas Artes fue un
movimiento de pintores.
De modo que durante el siglo XIX fue
considerado como una disciplina de apoyo de la pintura y la escultura .Se
entendía como parte del abocetamiento y llenaba la función que hoy tiene el
diseño .En la parte académica se empleaba como práctica para el entrenamiento
de pintor. En tiempos modernos es que el dibujo tiene significación autónoma en
el arte venezolano .Es tan así, que el Salón Oficial Anual de Arte Venezolano,
que comenzó en 1940, lo vino a incluir de manera independiente, según Antillano,
(1976) en la edición del salón de 1959, que es cuando
se crea el Premio Nacional de Dibujo y Grabado, siendo Iván Petrovsky el
primero en recibir este galardón con la obra: Descansando. A partir de entonces,
ocupó un espacio hasta su última
convocatoria XXX Salón en 1969 y a partir de entonces, en la de los salones que se crearon en
adelante.
Es en la contemporaneidad , a finales de los
cincuenta , apunta Calzadilla , (1982) cuando comenzó la proliferación del arte figurativo de tendencia expresionista ,
cuando aparecieron dibujantes de altísima calidad , dentro de los que habían artistas tales como :
Guevara Moreno , Régulo Pérez , Manuel Espinoza , Pedro León Zapata , Luis
Domínguez Salazar , Alirio Rodríguez y
Jacobo Borges , señalado por muchos críticos el mejor dibujante de las décadas
(del 50 al 80 ); cuando se le da impulso significativo . Dentro de este marco de
tiempo los gestualistas Hung y Hernández Guerra
abrogaron por un nuevo dibujo de naturaleza sígnica y espacial: caligráfica.
Hacia 1965 sufre un agotamiento la nueva figuración, se torna repetitiva…
Así el dibujo en este tiempo conoció una etapa prometedora,
aunque no bien canalizada, pero a pesar de ello
tuvo su avance e importancia. En los años setenta los salones de jóvenes artistas,
reúnen la nueva generación de artistas enfocados con el trabajo experimental,
al igual que los salones 11 Tipos, en la
Sala Mendoza de Caracas, en los que el dibujo jugó un papel trascendente; que va
a gestar un nuevo lenguaje en esta materia.
Todo este proceso, va a tener influencia en lo que va a representar el dibujo
en el medio artístico en adelante.
Pasemos ahora a comentar a los artistas que participan en esta muestra.
ARTISTAS
PARTICIPANTES
JOSÉ RAFAEL PÉREZ
“CHEO” · De este
artista presentamos la obra: Composición Cromática, (2012) que puede ser
ubicada dentro del abstraccionismo geométrico, conocida vulgarmente como
“pintura de rayas”, tendencia que fue,
según Calzadilla, (1982) “la tentativa más ambiciosa en Venezuela para
incorporar el arte a la arquitectura. Esta tentativa se conoce como integración
artística y constituyó un movimiento con numerosos partidarios en la década del
50 “(p, 54).El abstraccionismo va a
tener entre sus grandes exponentes a Mondrian. El trabajo de Cheo está
realizado en dos tonalidades cromáticas: azul y negro, demarcado por líneas
horizontales cortadas por oblicuas que le
dan forma trapezoidal coloreada en su interior.
José Rafael Pérez, es una de las últimas
revelaciones del arte venezolano, sin lugar a dudas .Su trabajo artístico es
casi un prodigio por la forma marginal en que vive el artista y su condición de
alcohólico .Francisco Da Antonio, (2010) escribió un documento sobre el pintor en
la ocasión de una exposición de 27 obras
puesta en sala en Fund-Amos titulado: Anverso y Reverso de un Pintor , bajo
su curaduría , que viene a ser el análisis más serio hecho sobre su obra hasta
ahora .Nos refiere Da Antonio (ob. cit.)
Sobre él lo siguiente:
…hombre del común y de quien permanece,
como es su caso, en la mas (sic) anodina marginalidad social, sin oficio
conocido - no olvidemos que a la vista general, el oficio de pintor de cuadros
nos es ninguno de los oficios conocidos – y dipsómano consuetudinario… no puede
ser considerado como uno más de ese profuso inventario de artistas populares
registrados en el país a partir de los años 1970,.. que triunfa sobre todas sus flaquezas,
carencias materiales y dificultades exógenas. (s.p. /n).
En relación a sus rasgos biográficos, continua
Da Antonio, en el documento citado, refiere el texto del catálogo escrito por
Napoleón Pisani Pardi en 1999 de la exposición realizada en la Casa de la
Cultura “Jermán Ubaldo Lira” donde señala que José Rafael Pérez “Cheo” nació el
25 de noviembre de 1955 en Caracas. A los 14 años inicia sus estudios de dibujo
y pintura en la institución antes
señalada .Estudió hasta tercer año de bachillerato en la Escuela Técnica de
Campo Rico (aprobado) ,también estudió dibujo y pintura en 1969 y 1972 y artes
aplicadas , en 1976. En 1978 asistió a la Escuela “Cristóbal Rojas”, al año siguiente,
ingresó en el INCE a estudiar dibujo y
tonos. Hacia 1985, toma un curso de serigrafía
en la Escuela “Arturo Michelena”, su primera exposición la realizó en 1994.
Actualmente está residenciado en las
Altos de Mariches, en Guaicoco, al este de Petare.
Sobre su trabajo artístico a dicho Da Antonio,
(Ob. cit.):
…péndula entre la estampa circenses,
mercados callejeros y ambientes interiores…, y, en el extremo opuesto tensos y
gestuales cartones, que insurgen como impulso de reprimidas fuerzas…De allí su
desigualdad estilística, a lo cual se
agrega una temática que comprende , además de pasajes bíblicos o de la historia
patria , la pintura de flores , naturalezas muertas y hasta
perspectivísticos paisajes …rostros
imaginarios o reales personajes ejecutados con tal libertad de pinceladas y
sintético cromatismo…(s. p./n.).
.jpg)
José Rafael Pérez Cheo. Composición Cromática, 2012.Mixta -anime comprimido
CRUZ RIVAS. Nació en San Antonio de Capayacuar,
Estado Monagas el 12 de septiembre de 1946. En 1959 se residenció en Caracas,
Distrito Capital. En la pintura tuvo como guía a los pintores: Félix Rodríguez (El Pintor de Santa Capilla),
Eduardo Arreaza y Ely Rodríguez. Su trabajo tiene que ver con todo lo
relacionado con el folclor venezolano, las tradiciones; pero es esencialmente
un paisajista .Ha pintado hasta el 2011 — me confesó— más de 500 paisajes de
todo el Municipio Sucre: Plaza Bolívar, Catedral de Caracas, Plaza El
Venezolano, Casa de El Libertador, entre otros. Los dos dibujos aquí presentados:
Palacio Municipal de Petare y La Plaza Sucre
Petare, trabajados a grafito
sobre papel, denota un trazo vigoroso y seguro en la ejecución; que además es
una estampa cotidiana de la metrópolis.
Actualmente reside en la calle El Guanche, Casco Colonial de Petare.
(Cruz Rivas, entrevista personal ,2011).
Cruz Rivas. La Plaza Sucre de Petare, 2008. Grafito-papel
Cruz Rivas .El Palacio Municipal de Petare , 2008. Grafito-papel
JOEL ONTIVEROS. Nació en Bailadores, Estado Mérida
el 13 de junio de 1929. De raíces campesinas, ocasionalmente , a los 78 años de
edad comenzó su carrera artística , a raíz de padecer una enfermedad .Conocí el
trabajo de este creador , a través de mi amiga la pintora Amelia de Carrero en
mi viaje de vacaciones a esta entidad federal en agosto de 2007 ; en la ocasión
que el artista estaba recluido en el Hospital de Bailadores , motivado por estar sin hacer nada se puso a dibujar en la
habitación del hospital que le servía de
taller improvisado , para pasar el tiempo y dadas sus limitaciones lo hacía en pequeños cartones de deshecho , con marcadores y creyones ; paisajes tomados
de revistas de singular belleza ,extrañamente recreados , donde el remarcado
con la línea negra marca la pauta en su proceso constructivo para elaborar sus
obras .(Joel Ontiveros , entrevista personal ,Agosto , 2007)
Joel Ontiveros . Paisaje,2007. Mixta-cartón
Joel Ontiveros . Paisaje,2007. Mixta-cartón
JAIME ROLINGSON. Este creador ha destacado en la
talla en madera, aunque modela en arcilla y labra la piedra también, pero es más conocido como trabajador de la madera y
menos conocido como dibujante. Nació en Píritu, Estado Anzoátegui el 13 de
enero de 1954 donde vive actualmente .Es bibliotecario de la Biblioteca
Pública “Fray Juan de Mendoza” de la localidad.
Es un aficionado lector de libros de Historia Universal de donde se inspira
para hacer sus obras, que van desde vikingos, cruzados mogoles, entre otros;
además tiene la afición de representar en sus tallas músicos .Hace poco más de
dos años ha venido trabajando el dibujo a creyón, inspirándose en temas tomados de revistas que él recrea, empleando
en el proceso creativo trazos
horizontales estirados y seguros en la ejecución que le dan cierta singularidad…
Jaime Rolingson . La Laguna de Sinamaica 2012. Creyón -papel.
Jaime Rolingson .El Paseo Colón , 2011.Creyón-papel.
HUGO DÍAZ A. En el año 2009 sostuve una
conversación con Hugo Díaz, en la que afirmaba haber nacido en el sector Las Lomitas, carretera vieja de
Los Teques, Estado Miranda. Actualmente vive en Palo Alto , sector Los
Eucaliptos de la misma entidad federal .Desde 1991 ,ubicó su puesto de
quincalla en la esquina que hace la
Avenida Independencia con calle Miquilén , de la capital mirandina ; que le sirve de
taller improvisado , de ese tiempo hasta el 2009 me confesó— según sus palabras
— haber dibujado más de un millar de obras , todas en pequeño formato .El
trabajo de Díaz ,es realizado con bolígrafo de tinta sobre cartón de deshecho ,
donde la línea contrasta con el color del soporte empleando generalmente
colores :negro y azul que sabiamente sabe contrastar . El tema de Díaz es el
paisaje y la naturaleza muerta, todos
pintados desde la imaginación, con la supremacía de paisajes de un entorno
rural que nada tiene que ver con su entorno citadino.
Hugo Díaz A. Paisaje , 2011.Bolígrafo -cartón.
Hugo Díaz A. Paisaje , s.f. Bolígrafo-cartón
MIGUEL PÉREZ. Nació en Caracas el 30 de mayo de
1949. Estudió artes gráficas, dibujo publicitario y dibujo artístico en esta
ciudad. Pinta desde los 10 años de edad. Vivió un tiempo en La Guaira, tiempo
en el cual participó en el movimiento artístico: Grupo “Armando Reverón”,
fundado por el también pintor Pedro Nolasco Cova. Pérez además de pintor , es
tallista , ceramista y buen dibujante ; sus trabajos , sobre todo el en dibujo
, dejan entrever la huella del oficio de publicista , como es el caso de la
obra aquí presentada :Pueblo Escondido ,(2013) en la que se puede observar en
ella planos superpuestos geométricamente trabajados a plumilla , con la delicadeza de un médico con un
bisturí , logrando buenos contrastes con
el claroscuro y el soporte empleado .
Miguel Pérez .Pueblo Oscurecido , 2013. Tinta china-papel.
CARMEN SÁNCHEZ. Quizá la muestra individual de la artista
más importante fue la organizada por el
Museo de Petare “Bárbaro Rivas” y la Fundación Bigott en el 2002 titulada:
Carmen Sánchez Pintura Habitada. En el texto de
esta exposición Perán Erminy escribió:
Carmen Sánchez manifiesta en
su pintura su predilección por el tema del paisaje. Sus paisajes no se basan en
la observación directa de la naturaleza, sino en sus recuerdos y en invenciones
de su imaginación. Generalmente se trata de representaciones aproximativas o evocativas de lugares y de situaciones
gratas que la artista vivió en su juventud. (p. 4)
Estos paisajes aquí presentados (Para mi Burrito y Estoy en mi Jardín) que estuvieron en esta muestra, dan fe de lo
acotado por Erminy. Son paisajes autobiográficos que asoman remembranza de
momentos vividos por la artista .Sus trabajos generalmente hechos en formatos
pequeños en acrílicos, guaches o
témperas sobre papel o cartulina, recogen un inventario de vida
pintados narrativamente desde el recuerdo.
Carmen Sánchez .Para mi Burrito, s.f. Acrílico -papel.
Carmen Sánchez .Estoy en mi Jardín , s.f. Acrílico-papel .
ANTONIA AZUAJE. Nació en Niquitaó, Estado Trujillo
en 1932. La Virgen de Guadalupe, (1996) está trabajada sobre un fondo azul
turquesa que trasluce el soporte sobre el que construye la imagen mariana, en
la que predominan manchas verdes, rojo, marrón que remata con la línea negra
que le viene a dar forma al dibujo. Lo espontáneo, la capacidad de síntesis y
su intuición constructiva no dejan de asombrarnos... Por lo que a dicho Perán
Erminy (2003)”Su talento y su versatilidad
son a toda prueba…su dibujo es seguro; sus formas y su composición se articulan
de un modo dinámico y coherente “(p.3)
Antonia Azuaje. Virgen de Guadalupe, 1996.Mixta-cartón.
JOSÉ ARISTIMUÑO. Nació en San José de Aerocual, Estado Sucre el 2 de noviembre de 1943.
Desempeño numerosos oficios: gasolinero, ayudante de panadería, lavador de
carros, vendedor de mercado, entre otros, Su interés por la pintura lo
descubrió en su niñez. (Rodríguez, S.f.). Adán y Eva ,(1979) evoca un episodio
del Antiguo Testamento , el cual está trabajado a grafito con un trazo firme ,
vigoroso , con una tímida escenografía , donde resalta las dos figuras que se
apoderan de la escena , es un dibujo bien logrado y de carácter simbólico .
José Aristimuño. Adán y Eva , 1979. Grafito-papel
LUCRECIA CHAVES. Conocí a Lucrecia Chaves en mi
viaje a Mérida en el 2004 en el Mercado Artesanal, Plaza Las Heroínas,
adyacente al teleférico .Ella tiene un puestito allí donde vende sus trabajos
al óleo, cerámica y dibujo .La artista reproduce en sus obras en cerámica: pesebres,
vendedores de hortalizas, hierbas y flores ;nos presenta una estampa de
carácter local .Muchas de sus pinturas se inspiran en el arte precolombino de
la región. Sus dibujos a plumilla,
excelentes por cierto, están muy emparentados con los de Lourdes Armas, a quien
conoció — me dijo en esa oportunidad —y que al igual que ella, recoge una
estampa costumbrista que tiene que ver con venezolanidad. Sus dibujos son muy
limpios, detallistas, líricos; los cuales contrasta con el soporte de la obra,
como podemos ver en la obra aquí presentada: Recuerdo del Pesebre Andino,
(1982).
Lucrecia Chaves.Recuerdo del Pesebre Andino, 1982. Tinta china -papel.
VÍCTOR SÁNCHEZ. (JESUCRISTO).
Nació en Los
Teques, Estado Miranda en 1956.Los dibujos de Sánchez son muy espontáneos como
el que crea sin mayor preocupación que su necesidad interior de crear una obra
independiente de la complacencia del público. Elabora sus obras con cualquier
soporte —el que él encuentre en la calle —; intuitiva y gestualistamente como las dos obras aquí presentadas: El Poder
de Dios (2012) y La Bailarina, (2012):
el dinamismo y ritmo de éstas, es el detonante del artista en el proceso
constructivo, que es crucial en toda su
creación.
Víctor Sánchez .La Bailarina ,2012.Marcador -lámina metálica.
Víctor Sánchez .El Gran Poder de Dios , 2012. Marcador -lámina metálica
Víctor Sánchez.El Gran Poder de Dios, 2012.Marcador -lámina metálica
CARLOS GALINDO. De Carlos Galindo ha comentado
Strauss, (1999) que nació en 1938 en San
Sebastián de Los Reyes, Estado Aragua. A los 12 años pintó su primer cuadro :Los
Toros Coleados , y desde entonces su
trabajo ha sido incansable .Para 1997, confesaba el artista , tener 41 años
pintando .Por medio de Víctor Millán conoció al maestro Feliciano Carvallo ,
quedando impresionado por su pintura .El trabajo pictórico de Galindo se ha
caracterizado por la búsqueda permanente de las tradiciones y costumbres de su
pueblo , cautivado por la especial pasión que le produce “ el mágico mundo
vegetal y los temas religiosos “; recreando y recreándose en lo festivo y en la maravilla del color . Las obras aquí presentadas:
Diablo de Yare, (2009) y Conferencia de Mariposas, (2009) tienen su anécdota, pues,
en una tarde de tertulia, en la casa de mi amigo Manuel Alcalá, entre éste,
Galindo y quien escribe, el artista pintó estas obras para nosotros, con la
mano izquierda, debido a que perdió la motricidad de la derecha a raíz de accidente cerebro vascular que padeció y que
naturalmente lo hizo como si fuera ambidextro.
Carlos Galindo. Diablo de Yare, 2009. Marcador -papel.
Carlos Galindo. Conferencia de Mariposas , 2009 . Mixta-papel.Colección Manuel Alcalá.
DIONISIO VERAMÉNDEZ. Nació en Guarenas en 1936, pero vivió siempre en Petare. Calzadilla,
(1975) sobre el artista ha expresado que es de extracción humilde apenas pudo
hacer las primeras letras antes de verse obligado a trabajar en toda clase de oficios:
mecánico, albañil, obrero, limpiabotas. Fue en esta oportunidad cuando lo
conocieron en la Galería Bellini, donde se expusieron sus obras por primera vez
en 1967. Lo evocado por la pintura, del artista se pone de parte de la
naturaleza pura, no de la ciudad, puesto que Veraméndez no pinta lo que ve sino
lo que recuerda y añora su imaginación – Su técnica es un ejercicio limpio que
evoca en sus infantiles paisajes de factura
impresionista, donde sus colores se exaltan mutuamente siguiendo un
dictado puramente intuitivo como lo podemos apreciar aquí con la obra: Pájaro
Guarandor (sic), (2000)
Dionisio Veraméndez. El Pájaro Guarandor , 2000.
LUIS GUAREGUA. Guaregua nació en Pedregal,
Municipio “Fernando de Peñalver”, Estado Anzoátegui, el 25 de agosto de 1966.
Comenzó su actividad como dibujante con
tiras cómicas y desde 1983 se ha
dedicado a hacer tallas en madera e instrumentos musicales de cuerdas y
percusión. Tiene el gusto por trabajar en sus tallas las etnias indígenas tanto
venezolanas como de otras zonas de América .Su proceso creativo pasa por
primero por dibujar, como paso previo, el motivo a tallar, que le sirve
de modelo que luego el artista desarrolla de manera específica. Sus
dibujos generalmente trabajados a grafito sobre papel, donde la línea le dar la
forma de la silueta, que viene a ser el elemento constructivo más importante de su creación, que en alguna
medida es una técnica auxiliar para hacer sus tallas.
Luis Guaregua. Guaicaipuro , s.f. Grafito-papel.
PEDRO ROLINGSON. Nació en Píritu, Estado Anzoátegui
.Está activo como dibujante y pintor
desde 1978-1979, su temática abarca motivos de carácter figurativo, sobre todo
en el dibujo, trabajado a grafito sobre cartulina como las obras exhibidas aquí:
Maternidad, (1991), y Tara, (1995) las
cuales son muy sugestivas , donde en la primera obra el binomio desnudo-maternidad pone de lado el
erotismo para darle paso a la procreación humana.
Pedro Rolingson. Martenidad , 1991. Grafito- cartulina. Colección del artista .
Pedro Rolingson .Tara, 1995. Grafito- cartulina.Colección del artista.
JOSÉ MORENO. Nació en la península de Paraguaná,
Estado Falcón en 1956. Médico de profesión , quien llega al arte al conocer a
tallista y pintores populares de
la región carabobeña , dentro de los cuales cabe mencionar por la influencia
que tuvieron en él; al menos en su primera etapa de su vida artística : Viviano Vargas y Antonio Ramón Pinto (ARP) . Además de estos cultores populares vió en revistas
y catálogos a creadores tales como: Feliciano
Carvallo, Manasés Rodríguez, Bárbaro Rivas, entre otros. Tuve la
oportunidad de conocerlo en el Museo de Petare “Bárbaro Rivas” en el año 2010,
en la ocasión de la inauguración de la muestra individual: Erotología y Otros
Asuntos en la Obra de José Moreno, que vino a ser respaldada con el libro de
Juan Calzadilla sobre el artista y su obra del mismo nombre. Compartimos una
amena tertulia de arte Calzadilla, Moreno y quien escribe, y, naturalmente
surgió la pregunta ¿si lo que hacía este creador era arte popular o no? ,
debido a que algunas de sus obras se salen de los cánones
de lo que se considera como este tipo de arte o tendencia. En esa oportunidad
la opinión del crítico fue que es “arte
popular culto”—apuntó.
Su arte de los últimos tiempos es
desconcertante y al propio tiempo interesante, su norte es una constante búsqueda,
innovación, experimentación, automatismo. Nos sorprende y a veces no sabemos, por nuestras limitaciones, de comprender que pretende el artista. Lo que
si sabemos es que su trabajo es de altísima calidad. Es posible hallar en su
obra elementos relacionados con la obra de Chagall, Miró, Dubuffet, que,
naturalmente la originalidad viene a marcar la pauta creativa y su vanguardia
estética , que a mi criterio está encuadrada por el automatismo , elementos de
carácter onírico , gestualismo ; todo de
manera exacerbada , que pareciera que su obra no fuera la creación de un
artista , sino de varios (de distintas tendencias ) donde el proceso de
saturación cromático lo lleva a los extremos ; además del poco escrúpulo en la
selección de los materiales con que va a trabajar , donde la imaginación indica
el camino , al menos en estos últimos 10 años.
Dentro de sus búsquedas centra la atención en
el origen del hombre, de allí su conexión con la relación de pareja: con el
acto sexual primario de donde nació la idea de la Serie Erotología a la que pertenecen los trabajos presentados
aquí. Sobre este trabajo, en un reportaje que le hizo Calzadilla, (2008) recoge
del artista la impresión que él tiene de
su obra… “ese recorrido del espermatozoide, filigrana, imperceptible que se esfuerza por llegar a esa esfera sublime, divina,
procreadora que significa el óvulo” (p.84).Éste, naturalmente dignifica el erotismo,
le da un lugar de respeto. Las figuras
curvas representan el género femenino; las rectas el masculino— me confesó el
artista — cuando disfrutábamos la exposición en el referido museo.
José Moreno. Serie Erotología , 2010. Bolígrafo -cartón.
José Moreno. Serie Erotología , 2010. Bolígrafo -cartón.
FLORENCIO ARGUINZONES. Nació el 15 de marzo de 1950 en el
caserío Quebrada Seca, Paracotos, Estado Miranda, Venezuela. Es agricultor y
albañil de profesión, siempre ha vivido en el campo rodeado de la naturaleza
.Es un artista muy talentoso :talla la madera y la piedra , modela en cerámica
, pinta y dibuja .Tiene un don excepcional para el dibujo a plumilla .Trabaja
temas relacionado con la naturaleza , la conservación del medio ambiente ,
mitológicos , personajes históricos y nuestros héroes patrios .Vive actualmente
en Guaremal , Los Teques —la parte rural— en una casa que el mismo construyó ,
donde pasa la mayor parte del tiempo solo , debido que es un hombre dado al
reflexión y a la meditación y que necesita de la soledad para su creación
artística.
Florencio Arguinzones . Jesús, 2011 . Tinta china -papel .
Florencio Arguinzones. Estefanía , 2011. Tinta china- papel.
NEKE ÁLAMO. Nació en Caracas, Distrito Capital,
es proveniente de una familia de pintores, alumna del pintor barcelonés Pedro
Centeno Vallenilla, con quien entabló una
amistad .La conocí en el año 2000 en la ocasión de una visita que le
hice en su apartamento en Montecristo,
en esa oportunidad le adquirí dos obras, de las cuales una de ellas les
presento aquí. Además de pintora es una excelente dibujante , aunque en general
emplea el dibujo como paso previo para elaborar sus pinturas hechas en acrílico
o témpera .Su trabajo se caracteriza por tener como motivos habitaciones
recargadas de objetos , mobiliario ,bibliotecas , cuadros en paredes , adornos
de otros tiempos ; lo que implica un trabajo titánico pintar sus cuadros por la
cantidad de detalles , Esos aposentos forrados en papel tapiz al estilo años
setenta , nos recuerdan esas casonas de la Capital de épocas , y además
anécdotas de la ciudad de principios del siglo XX; de una ciudad que se va y le
da paso a otra distinta. La Boda de Lolita y… (1971) es una estampa o imagen de
ese tiempo cuando existían todavía vehículos de tracción animal y el ferrocarril.
Por cierto me comento Neke Álamo en esa oportunidad —me inspiré en Isidoro
Cabrera un personaje de las “Caracas de
Ayer” que recorría la ciudad con su
carruaje que fue en alguna medida el último cochero que tuvo la Ciudad— .Este es el personaje de una
canción :”Epa , Isidoro” de la Billos Caracas Boys , compuesta por Billo
Frómeta en su homenaje , que vivió entre (1880-1963) conocido también como “el cochero de muchas épocas” y “ el
último cochero de las casas de antaño”. Definitivamente toda la obra de Álamo
tiene ese sabor de historias de antaño.
Neke Áamo . La Boda de Lolita y ... , 1971. Mixta -papel.
REFERENCIAS
Antillano, Sergio. (1976). Los Salones de Arte.
Caracas: Maraven, S.A.
Erminy, Perán. (2002).Carmen Sánchez Pintura
Habitada. Caracas: Museo de Arte Popular
de
Petare “Bárbaro Rivas” /Fundación Bigott.
—————. (2003). La Pintura Personalísima de Antonia Azuaje. En: Antonia Azuaje
Entre
el Cielo y la Tierra. (2002-2003).Caracas: Museo de Arte Popular de Petare
“Bárbaro Rivas.”
Calzadilla, Juan. (1975) .Pintores Venezolanos
del Común. Caracas: Edición Especial
Compañía Anónima Nacional Teléfonos de Venezuela.
——————. (1982). Compendio Visual de las Artes
Plásticas en Venezuela. Caracas:
MICA
Ediciones de Arte.
——————. (1997). Evolución de las Artes
Plásticas en Venezuela. Historias Para
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Reportaje:
Preguntas de Juan Calzadilla a José Moreno. Valencia: Fondo Editorial
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Rodríguez, Luis. (S.f.). Creadores Petareños
.José Miguel Aristimuño. Petare: Fundación
Cultural
Artistas de Petare.
Strauss, Rafael. (1999). Diccionario de Cultura
Popular. T.1. Caracas: Fundación Bigott.
LÍNEA Y SOPORTE
TEXTOS, TRANSCRIPCIÓN Y CORRECCIÓN:
MANUEL BAS
FOTOGRAFÍA:
MANUEL BAS
ASISTENCIA TÉCNICA:
JUAN CARLOS PALMERA
DISEÑO Y MONTAJE ELECTRÓNICO:
LICDA. ROCÍO PALMERA
AGRADECIMIENTOS:
FRANCISCO ROLINGSON
ROBERTO HERNAIZ
JAIME ROLINGSON
LUIS GUAREGUA
JORGE ROMERO ÁVILA
LAS OBRAS QUE NO TIENEN REFERENCIA DE
PROPIEDAD, PERTENECEN A LA
COLECCIÓN DE MANUEL
BAS, CARACAS, DISTRITO CAPITAL VENEZUELA
Sería bueno colocar fotografías de los artistas.-
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